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中国画最动人的地方，从来不是描摹一物一形的逼真，而是落笔之间，藏着画家的心境与气度。
翻看陈中林这一批写意小品，心里忽然安静下来。没有浓艳堆砌，没有繁复构图，寥寥几笔，一花一鸟，一鱼一果，于简淡之中，把文人写意的味道，写进纸里。
写意，先写“意”，而后见形。
他用笔是放开的。长线缠绕的藤萝，顿挫有力；石头的大墨块，泼洒而不粗野；枝干线条，枯湿交替，有飞白，有浓墨，快慢起伏，带着书写感。看得出来，落笔不犹豫，胸中有底稿，下笔便有筋骨。
墨色是这套作品最耐品的地方。
浓墨沉厚，用来铺叶、画石；淡墨通透，晕染花瓣与果实。焦墨勾筋、点虫眼；宿墨沉在纸间，自带一层温润的旧气。墨分五彩，不是刻意做出来的层次，是一笔下去，自然渗化，干、湿、浓、淡，顺着手腕的节奏生发开来。
大量的留白，是他画面的呼吸。
一只小鱼，偏安画面下角，上方大片空白，便是浩浩汤汤的秋水；
一只栖鸟立在细竹之上，其余尽数留空，风就从空白处吹过来；
一瓶牡丹斜斜伸出，大片素白的宣纸，成了安静雅致的案头空间。
很多人画画，总怕纸上空着，拼命填满。真正懂写意的人，懂得给画面留余地。空白不是没有东西，是风，是水汽，是想象，是言有尽而意无穷。
题材都是寻常风物：葫芦、葡萄、紫藤、牡丹、枇杷、茄子、桂花、游鱼、雄鸡、顽石。
没有稀奇古怪的题材，都是中国人日常生活里喜闻乐见的花草果蔬。
可贵就在于，画常见之物，却不落俗套。
葫芦不求光滑圆润，带着笔墨的朴拙；牡丹不追求富贵甜俗，有的淡雅，有的沉郁；紫藤藤蔓盘旋缠绕，用笔奔放，紫花淡淡晕开，紫气东来，是祝福，也是浪漫。小小的瓢虫、蜻蜓，寥寥数笔，作为画面的点睛，灵动而不喧闹。
他的题诗、题字，和画面融为一体。
行书题款，错落排布于画面上角，墨色与绘画笔墨气息统一。不是生硬地把字贴在画上，而是书画同源，字也是画面的一部分。画上题诗，诗衬画意，寥寥几句，把画面未尽的情绪补全，这正是传统文人画最迷人的模样。
现在很多写意画，走入两个极端：要么画得太工整，失去写意的洒脱；要么一味狂涂乱抹，空有狂野，没有笔墨根基。
陈中林的路子，恰好走在中间。
放得开，也收得住。可以大笔泼墨写石写叶，也可以细笔收拾鸟的眉眼、虫的翅翼。奔放而不粗野，简约而不空洞。
好的写意，是“删繁就简”。
把多余的修饰全部拿掉，留下最动人的骨架与神采。
不用千笔万笔，三五笔，物象的姿态、气韵就出来了。这背后，是长年累月对物象的观察，是手上千百次的锤炼。看似随手一挥，其实每一笔都有来路。
我们今天看国画，很多人习惯第一眼就问：画得像不像。
但是写意花鸟，从来不以像为最高标准。
它写的是生机，是情趣，是一个人面对自然时候的那份心境。
葫芦代表福禄，葡萄寓意硕果，雄鸡寓意大吉，牡丹象征华贵。这些吉祥寓意，是千百年来中国人的美好期许。但画家没有把它们画成流水线式的吉祥图，而是赋予它们笔墨性格。
每一张小品，都是一次短暂的精神散步。
不用宏大叙事，不必沉重主题。
几笔墨，一枝花，一只闲鸟，一尾游鱼。
画的是草木虫鱼，安放的，却是现代人渴望松弛的内心。
安静下来细看，你能从线条的顿挫里看见速度，从墨色的干湿里看见情绪。快的时候如风掠过，慢的时候沉静蓄力。笔墨，就是画家无声的语言。
中国画的传承，从来不是一成不变的临摹古人。
是继承笔墨精神，再用自己的笔法，画出这个时代的感受。
陈中林这批小品，扎根传统写意，又带着自己鲜明的个人面貌。不拘谨，不做作，自在松弛，性情流露。
大画可观气势，小品可读心性。
这些尺幅不大的写意作品，最适合闲时慢慢品读。
一杯清茶，对着画，看游鱼悠游，看紫藤垂落，看小鸟栖枝。
暂时放下俗世繁杂，在笔墨留白之间，寻一份悠然与安宁。
笔墨有温度，简处见乾坤。
这大概就是写意花鸟，能够长久打动我们的理由。
你偏爱浓墨重彩，还是这种简约空灵的写意画风？欢迎在评论区留下你的看法。
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